Silhouette & Idéal : la modernité de l’antiquité selon Chanel

La dernière collection croisière Chanel s’établit sur une antithèse féconde, annoncée par le décor du défilé. Dans le ventre du Grand Palais – coupole de verre et de fer – se tient l’architecture de pierre, l’archétype de tout édifice, le temple grec. Cette curieuse rencontre se rejoue au niveau du vestiaire, qui décline autant d’indices rappelant l’antiquité : de la gamme chromatique choisie (terracota, sable, doré, blanc Mykonos), des motifs tirés des vases dichromes, de l’embellissement parfois faussement kitsch des tissus, des techniques (notamment le plissé, le drapé) retravaillés selon les attentes contemporaines du prêt à porter.

Chanel, Décor du défilé croisière, Paris, Mai 2017

Lire la suite

Du coup de griffe au fétiche : quelques réflexions sur la magie de la haute couture

Si une épithète qualifie par excellence la haute couture, c’est bien celle de somptueux [1], articulant la dimension esthétique du vêtement, sa beauté, sa qualité, et son luxe, au sens où il engage de grandes dépenses. Furetière ajoute par ailleurs, que c’est la combinaison de ces deux éléments qui est à l’origine de cette forte impression que peut causer une belle mise, un bel équipage, un habit raffiné [2]. La haute couture de par son origine même en est l’illustration exemplaire. Destinée aux grandes fortunes et aux élégantes, à son firmament dans les années cinquante, elle est synonyme de distinction et de privilèges, mais aussi du point de vue créatif, le terrain d’une liberté sans pareille. L’instauration de cette réunion de couturiers dont l’appellation remonte à 1880 [3] met en exergue la volonté de rassembler des talents et de protéger de la copie intempestive, les modèles originaux. La haute couture, un manifeste avant l’heure de la liberté de création et de la propriété intellectuelle et artistique.

us vogue 09 1967 haute couture sue_murray_balenciaga_3 3

us vogue 09 1967 haute couture sue_murray_balenciaga_3 2

Robe Balenciaga Haute couture 1967. Profil et face Crédits : Vogue US

Lire la suite

Le drapé : pour une esthétique de la souplesse et de l’enchevêtrement

Voici ci-après la communication proposée à l’occasion du Festival de l’Institut Français de la Mode (IFM) en juillet dernier. Il va sans Dire qu’elle était avant tout destinée a l’oreille attentive plutôt qu’a l’œil, qui, je l’espére, ne sera pas trop éprouvé en découvrant le texte ou plutôt, ces Paroles.

 

L’intuition que nous avons tâchée d’élaborer est celle d’une redécouverte du drapé par le prêt à porter ou Comment les créateurs au cours des dix dernières années se sont appropriés cette technique ancestrale. Que signifie cette survivance du drapé ? Les formes modernes du drapé sont-elles la simple persistance d’un leitmotiv antique ?

Collage Robe drapée Lanvin Collection P/E 2010 et tête de Victoire ailée, Musée du Louvre Crédits : M.R.S

Collage Robe drapée Lanvin Collection P/E 2010 et tête de Victoire ailée, Musée du Louvre
Crédits : M.R.S

Lire la suite

La garde-robe ou le refuge de la personnalité

La dernière exposition du Palais Galliera illustre avec exemplarité l’intimité des entretiens entre vêtement et corps, vêtement et personnalité. Déambulant entre les robes, les manteaux, les casaques brodées, les tenues de bals ou de voyage, c’est moins la reconstitution d’un Paris désormais englouti, celui de Proust, de Montesquiou ou de Fauré qui fascine, que l’impression de rencontrer un fantôme, comme si des étoffes émanait encore la chaleur du corps tant chéri, celui de la comtesse Greffulhe.

otto_visuel_affiche_retrouche

Comtesse Greffulhe par Otto

Lire la suite

La production de l’instant : quelques réflexions sur le modèle « See now and buy now »

Depuis la déclaration tonitruante de la Maison Burberry signifiant son intention de bouleverser le calendrier de l’industrie vestimentaire et les réactions en écho du CFDA (Council of Fashion and Design of America), l’annonce s’est transformée en injonction, et l’injonction est devenue l’emblème d’une industrie oscillant entre besoin de métamorphose et déni de sclérose. See now, buy now, de quoi s’agit-il ? Principalement d’une inversion des phases du processus industriel ordinaire : la production d’une nouvelle collection précédant cette fois le défilé, éludant ainsi l’attente habituelle de 6 mois avant sa commercialisation. Selon les Maisons s’étant ralliées à ce projet, le mot d’ordre est d’entretenir le désir du consommateur en lui proposant la possibilité d’un achat immédiat, et non de laisser mourir l’envie de nouveauté par un délai insoutenable.

philippe_de_champaigne 2

Philippe de Champaigne, Vanité, Détail

Au delà des critiques adressées à une telle réforme, pêchant par excès de mercantilisme pour certains, à la pertinence limitée pour d’autres, quelle est la conception de la mode que nous pouvons en déduire ? Que signifie cette réduction de durée ? Cette attente impossible ?

Lire la suite

« The Voyage out »

« A voyage out » comme l’évoquait avec tant de justesse Virginia Woolf dans son roman éponyme est un voyage hors de quelque chose, c’est un voyage qui vise à se déprendre d’une terre trop connue, trop foulée ou visitée. Dans le cas de la Maison Louis Vuitton, ce « voyage out », est un voyage hors du voyage lui-même, ou plus exactement, hors de l’art du voyage (« the art of travel ») dont la maison se prévalait, notamment dans les campagnes héritage de la marque. Successivement, elle s’est ainsi faite l’emblème du voyage, le réceptacle de « l’âme du voyage », elle a incarné l’esprit du voyage, etc.[1] Cette hésitation entre diverses dénominations illustre la difficulté que génère tout effort d’ordonnancement et de synthèse, en particulier dans l’unification de différentes facettes d’une image de marque, de la griffe initiale, historique à son interprétation contemporaine. Jusqu’à présent, la stratégie de la marque était celle d’une juxtaposition des savoir-faire, mis en scène dans des compositions variées, lors de campagnes publicitaires imposantes. La dernière en date « The Spirit of Travel » est la pierre d’achoppement de ce système, qui pêche par excès d’artificialité, notamment dans le traitement esthétique de la nature. Autrefois symbole du voyage et de l’exploration, elle est devenue un simple arrière-fond, éloignée de la silhouette et des articles de maroquinerie. La thématique du voyage n’est plus qu’un prétexte, au mieux un décor exotique magnifiant les parures.

T-DP5

The Spirit of Travel, Campagne Eté 2015

Lire la suite

Le couturier et le chirurgien

Ce titre annonce une fable. A la fable de présenter les ressemblances et les dissemblances entre les protagonistes, le couturier et le chirurgien. Deux figures définies par des pratiques apparentées : la couture d’un côté, soit l’assemblage de deux morceaux de tissus, la chirurgie de l’autre, l’ouverture du corps et l’intervention sur des organes ciblés de l’autre, puis sa suture.  Aiguille ou scalpel, tous deux manipulent le fil et travaillent le tissu, vivant ou inerte et ne laissant comme signature qu’une cicatrice ou une couture. Cette affinité, Alexander McQueen l’a poussée à son paroxysme, comprenant son métier sous les deux aspects, celui d’une réparation du vivant par l’intervention sur la chair, et son renouvellement  par la génération de nouvelles formes vestimentaires: « I like to think of myself as a plastic surgeon with a knife » confiait-il dans les colonnes du magazine Wynn en 2007.

La chirurgie textile de McQueen admet plusieurs modes opératoires :

  • un travail du tailoring exigent, lié à l’expérience du couturier à Savile Row, temple de la coupe londonienne. Lignes acérées, formes ajustées, la structure est introduite à même le vêtement par la réinterprétation de techniques ancestrales, celle des basques et des vertugadins, ou par l’introduction inédite de matières rigides, (le bois par exemple), qui viennent contraindre et enserrer la chair, pour un dressage du corps
  • un travail de greffe par la transposition de motifs ou de textures du monde animal mêlées à la peau, suggérant un passé animiste ou anticipant l’évolution du genre humain, tel le dernier défilé du couturier intitulé Plato’s atlantis, où les silhouettes aux multiples écailles s’offraient comme des mutations corporelles fugaces.
Jellyfish ensemble and Armadillo shoes [Ensemble méduse et chaussures tatou], Alexander McQueen, Plato’s Atlantis [Atlantide de Platon], S/S 2010, Model: Polina Kasina, © Lauren Greenfield/INSTITUTE

Jellyfish ensemble and Armadillo shoes [Ensemble méduse et chaussures tatou], Alexander McQueen, Plato’s Atlantis [Atlantide de Platon], S/S 2010, Model: Polina Kasina, © Lauren Greenfield/INSTITUTE

  • Enfin dernière variation de la coupe, la pratique de l’écorchement, écorchement textile participant de l’imaginaire macabre du créateur. La peau est un opercule à retirer, dissimulant la fluidité du corps. D’où le jeu de McQueen sur les tissus dissimulés, où une cascade de plumes sanguines jaillit d’une cape de velours. La chirurgie couture de McQueen prend la valeur d’une catharsis, d’une purge des humeurs et d’un héritage nécessaire au renouvellement de la confection vestimentaire.

Erin O’Connor – Défilé McQueen « Voss »

Revendiquer la posture de chirurgien enfin, c’est entreprendre un voyage impossible, celui de pénétrer un espace paradoxal, un espace que nous incarnons sans pouvoir y habiter, un intérieur vu de l’extérieur, une expérience du corps dans sa dimension organique, celui  que nous sentons sans représentation et sans identification aucune. Alexander McQueen a mis au jour cet inconnu : le corps n’est plus à habiller, il est à ouvrir pour révéler la chair et ses plis.