Hermès par Margiela : la sensation exposée, l’expérience vue

Nous définissons avant tout le vêtement comme image, c’est-à-dire selon des critères éminemment visuels : la forme ou la coupe du vêtement, sa couleur. Des éléments pour lesquels nous disposons d’un vocabulaire étendu, facile d’usage car soit ordinaire (robe, pantalons font partie des rudiments du langage) soit non spécifique à l’habillement (la gamme chromatique) et qui donne à la perception initiale du vêtement toute sa consistance. Pour bien voir, il faut en quelque sorte savoir, et savoir dire ce que l’on voit. C’est encore l’image qui explique la fascination que peut faire naître une robe. Image de soi, image idéalisée et projetée, que le vêtement appelle et trame.

L’exposition Hermès – Années Margiela, présentée au Musée des Arts Décoratifs de Paris (MAD) prend à rebours ces deux principes élémentaires. Lire la suite

Le paradoxe de Galatée : être muse et créateur

L’histoire de la mode prolonge à sa manière le mythe de Pygmalion. D’un côté, Pygmalion créateur, souvent masculin. (Yves Saint-Laurent a fait naître Laetitia Casta d’une rose, Azzedine Alaïa a tiré Grace Jones de la maille stretch, Karl Lagerfeld, tel un oiseleur a révélé la voix de Vanessa Paradis1 ) ; de l’autre : les muses, féminines bien sûr, créatures mi-divines, mi-fantasques aux aventures rocambolesques (Loulou de la Falaise, Betty Catroux, Charlotte Gainsbourg, muse et égérie de Nicolas Ghesquière, chez Balenciaga puis chez Louis Vuitton.)

Charles Monnet, Pygmalion amoureux de sa statue, 1762, Fonds des dessins et miniatures, Musée du Louvre

Cette séparation n’est que la reprise fidèle de ce qu’Ovide rapportait autrefois : « Pygmalion vivait sans compagne, célibataire ; jamais une épouse n’avait partagé sa couche. Cependant, grâce à une habileté merveilleuse, il réussit à sculpter dans l’ivoire blanc comme la neige un corps de femme d’une telle beauté que la nature n’en peut créer de semblable et il devint amoureux de son œuvre2» On connaît la suite : Vénus, émue du sort du sculpteur, transforma l’ivoire en chair et donna vie à Galatée. La muse inspire le projet, mais le créateur lui donne forme et existence. Lire la suite

  1. https://www.dailymotion.com/video/xxuv0 []
  2. Ovide, Métamorphoses, X, 243-297 []

Marc Jacobs ou « la lutte pour le style »

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Portrait de Marie de Médicis adolescente par Pulzone, rhabillée par Marc Jacobs

 

Remarque en passant. Marc Jacobs propose une collection « non commerciale » (Suzy Menkes, Vogue, Février 2018), en retravaillant les accessoires contraignants de la Renaissance, la fraise, « façon drapé des années 80 ». Montaigne décriait dans les Essais, au chapitre sur les Lois somptuaires, cette vanité inutile venue d’Italie, cette inclination à nourrir « pour cet effet cette corruption et incommodité si apparente » (Montaigne, Essais Chapitre XLIII).

Marc Jacobs bouscule les règles du marché en l’incommodant à son tour par le style, c’est-à-dire en réintroduisant dans le vocabulaire des formes de la mode, des accessoires qui par le passé signifiaient déjà cette distance avec le monde, et en particulier avec l’homo laborans. La fraise ou la « lutte pour le style » (Expression empruntée à Aby Warburg, Mémoire d’habilitation, 1902-1904)

Jacquemus ou le drapé spontané

Début Janvier – Saint-Pétersbourg. Dans les couloirs de l’aéroport, de grands panneaux publicitaires annoncent l’arrivée imminente des nouvelles collections Printemps/Eté au magasin Le Pont rouge, équivalent du Bon marché ou de Liberty London. Parmi les marques réputées et confirmées (Marni, Martin Margiela entre autres), figure bien en évidence Jacquemus, une association suffisamment éloquente qui laisse entrevoir la popularité nouvelle de l’enseigne. Il y a peu encore, les manteaux larges et rigides de ce même créateur, aux coupes peu évidentes se trouvaient esseulés sur un portant du Bon marché, dans le carré des inclassables. Du portant isolé à l’affiche immense, il y a là un changement de dimension, une nouvelle envergure dont il faut prendre la mesure.

La collection Printemps/Eté 2018 apporte quelques éclaircissements. Présentée en septembre dernier au Musée Picasso, elle a pris de court certains journalistes. Et pour cause, Jacquemus révolutionnaire ( ?) édicte son propre calendrier, c’est-à-dire avance délibérément le lancement officiel de la semaine de la mode à Paris et étrenne un lieu qui jusque là ne n’avait jamais servi de décor, si ce n’est d’écrin pour des tableaux. Ce pouvoir inaugural, c’est-à-dire l’instauration de nouvelles règles se retrouve également sur le plan stylistique. L’introduction d’un style plus fluide libère la silhouette des volumes structurés, parfois exagérés du vestiaire hivernal, par la technique maîtresse du drapé. Celui-ci est réinterprété sur les jupes tulipes, les robes déliées, les hauts caraco qui accompagnent des pantalons fins, esprit corsaire. Parachèvement de ce style balnéaire, le bandeau large qui dégage le visage hâlé et les joues rosies ; les larges capelines de paille, qui à elles seules, imitent le soleil. Lire la suite

Du kitsch au néo-kitsch : actualité du mauvais goût dans le monde de la mode

Résumé de la conférence donnée le 10 octobre 2017 à l’Institut français de la mode

Collage réalisé par nos soins à partir du tableau Lactose Tolerance de Chloé Wise

L’engouement que suscite les œuvres de Jeff Koons, le succès arrogant de Gucci sous l’ère Michele, plus récemment les toiles bariolées et pop de l’artiste Chloé Wise qui figent par la peinture les nouvelles habitudes ou gimmicks de l’époque, le déferlement des logos revisités (Balenciaga, Louis Vuitton, Gucci/Guccy), autant d’éléments qui peuvent se comprendre sous la bannière du kitsch. Le kitsch ou le goût pour l’excès et l’effet touche ainsi notre rapport aux objets par le biais d’une consommation effrénée, aussi bien que nos conduites et nos attitudes, voire notre sensibilité. Pour autant, si ce terme est employé couramment, et notamment par la presse, qui utilise ce prédicat pour désigner toute résurgence d’une culture populaire restylisée et la glorification du mauvais goût, difficile de s’entendre sur son sens précis. Phénomène ambivalent et insaisissable, le kitsch se dérobe à toute définition et réduit toute entreprise de théorisation à une énumération veine. Plutôt que d’en proposer une définition arrêtée, notre communication s’intéressera davantage à esquisser quelques réflexions sur les raisons de la survivance d’un tel phénomène : symptôme de crises des valeurs répétées, le kitsch en est aussi le remède en distillant ça et là par le bariolé et le mignon, des doses de bonheur. Nous nous attacherons dans un premier temps à rappeler ces moments saillants ponctuant l’histoire du kitsch, solidaire des bouleversements de l’industrie et de la valeur de l’art au XIXe siècle, afin de mesurer les évolutions du phénomène et ses différents stades. Puis nous insisterons sur les déclinaisons du kitsch dans la mode, et la transformation d’une esthétique des marges à une tendance appelée à être suivie massivement.

Si le kitsch doit son acte de naissance à la fétichisation de l’objet et à l’engouement bourgeois pour l’accumulation, est-il toujours pertinent d’employer ce terme à l’ère de la dématérialisation de la consommation et de la fluidité des échanges ? Peut-on parler à cet égard d’un néo-kitsch ou d’autres variantes ?

 

Références bibliographiques

  • Adorno, Théodor, Théorie Esthétique (1969), Paris, Klincksieck, 2011
  • Benjamin, Walter, « Kitsch Onirique » (1927), Œuvres II, Paris, Gallimard, 2000
  • Bolton, Andrew and Koda, Harold, Schiaparelli & Prada: impossible conversations. New Haven, Yale University Press. 2012.
  • Charpy, Manuel, « Bibelots. Le monde en miniature » in Sylvain Venayre et Pierre Singaravélou (dir.), Histoire du monde au XIXe siècle, Paris, Fayard, 2015
  • Charpy, Manuel, Le théâtre des objets. Espaces privés, culture matérielle et identité bourgeoise, Paris, 1830-1914, sous la direction de Jean-Luc Pinol, professeur à l’ENS Lyon, 2010 – Doctorat d’histoire contemporaine de l’Université François Rabelais de Tours. Disponible en ligne.
  • Dorfles, Gilles, Le kitsch, un catalogue raisonné du mauvais goût, préface de Jean Duvignaud, Paris, Editions Complexe, trad. de l’italien par Paul Alexandre, 1978
  • Genin, Christophe, « Devenir Kitsch : un modèle pour nos sociétés », conférence enregistrée dans le cadre du colloque de Cerisy : Le kitsch : définitions, poétiques, valeurs », sous la direction de Franz Johansson et Mathilde Vallespir. https://www.franceculture.fr/conferences/maison-de-la-recherche-en-sciences-humaines/devenir-kitsch-un-modele-pour-nos-societes
  • Genin, Christophe, Kitsch dans l’âme, Paris, Vrin, 2010
  • Moles, Abraham, Psychologie du kitsch. L’art du bonheur, Paris, Denoël, 1976
  • Nofri, Valeria, « The aesthetics of kitsch : from Versace to Prada » : http://www.academia.edu/22928205/The_aesthetics_of_kitsch_from_Versace_to_Prada
  • Olalquiaga, Céleste, Royaume de l’artifice. L’émergence du kitsch au XIXe siècle. Trad. par Gilbert Cohen-Solal et Michèle Veubret, révisée par l’auteur, Fage Editions.
  • Sontag, Susan, « Notes on Camp » (1964), essai tiré du recueil L’œuvre parle, Paris, Christian Bourgois, 2010

Le drapé chez Balenciaga : spectaculairement kitsch !

Dernier moment de notre analyse consacrée aux résurgences contemporaines du drapé dans les collections prêt à porter printemps/été 2017. Après l’inspiration antique chez Chanel, le drapé ordinaire comme uniforme chez Céline, voici quelques éléments de réflexion sur l’interprétation kitsch proposée par Demna Gvasalia pour la collection Balenciaga printemps-été 2017.

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De la féminité absolue au féminin excentrique : l’usage ironique du drapé chez Céline

La collection Printemps/Eté 2017 de la maison Céline brille par l’éclectisme de ses silhouettes : costume masculin, robe de cocktail, robes longues plus décontractées (maxi dress) abordées selon différentes techniques : l’art de la superposition, du non-fini, le contraste chromatique, le jeu sur les volumes. Il en ressort une impression tourbillonnante, liée à la multiplication des propositions stylistiques, accentuée par la vertigineuse chorégraphie des mannequins dont les trajectoires dans l’installation qui sert de décor, miment la collision, le heurt.

Jeu de superposition, Céline P/E 2017. Crédits : Another Magazine

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Silhouette & Idéal : la modernité de l’antiquité selon Chanel

La dernière collection croisière Chanel s’établit sur une antithèse féconde, annoncée par le décor du défilé. Dans le ventre du Grand Palais – coupole de verre et de fer – se tient l’architecture de pierre, l’archétype de tout édifice, le temple grec. Cette curieuse rencontre se rejoue au niveau du vestiaire, qui décline autant d’indices rappelant l’antiquité : de la gamme chromatique choisie (terracota, sable, doré, blanc Mykonos), des motifs tirés des vases dichromes, de l’embellissement parfois faussement kitsch des tissus, des techniques (notamment le plissé, le drapé) retravaillés selon les attentes contemporaines du prêt à porter.

Chanel, Décor du défilé croisière, Paris, Mai 2017

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Drapés exubérants ou la mise en scène du pouvoir sous le Second Empire

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Maison Belloir et Vazelle, Inauguration du canal de Suez – Trône du vice-roi d’Egypte, 1869. Crayon, Aquarelle, Gouache, Paris, Musée d’Orsay.

Le Second Empire interprète à sa manière le drapé, entre nécessité d’un décor somptueux pour asseoir un pouvoir fragile et goût pour l’antique comme en témoigne l’exposition se tenant actuellement au Musée d’Orsay.

Spectaculaire Second Empire, 27 septembre 2016 – 16 janvier 2017. Musée d’Orsay.

En passant

Appel à contribution

En écho à notre article sur le coup de griffe et le fétiche, voici un lien vers la présentation d’un colloque à venir sur le thème de la haute couture.

« Nouveaux regards sur la haute couture parisienne, de 1850 à nos jours », Appel à contribution, Calenda, Publié le jeudi 30 juin 2016, http://calenda.org/371833

Du coup de griffe au fétiche : quelques réflexions sur la magie de la haute couture

Si une épithète qualifie par excellence la haute couture, c’est bien celle de somptueux [1], articulant la dimension esthétique du vêtement, sa beauté, sa qualité, et son luxe, au sens où il engage de grandes dépenses. Furetière ajoute par ailleurs, que c’est la combinaison de ces deux éléments qui est à l’origine de cette forte impression que peut causer une belle mise, un bel équipage, un habit raffiné [2]. La haute couture de par son origine même en est l’illustration exemplaire. Destinée aux grandes fortunes et aux élégantes, à son firmament dans les années cinquante, elle est synonyme de distinction et de privilèges, mais aussi du point de vue créatif, le terrain d’une liberté sans pareille. L’instauration de cette réunion de couturiers dont l’appellation remonte à 1880 [3] met en exergue la volonté de rassembler des talents et de protéger de la copie intempestive, les modèles originaux. La haute couture, un manifeste avant l’heure de la liberté de création et de la propriété intellectuelle et artistique.

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Robe Balenciaga Haute couture 1967. Profil et face Crédits : Vogue US

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Le drapé : pour une esthétique de la souplesse et de l’enchevêtrement

Voici ci-après la communication proposée à l’occasion du Festival de l’Institut Français de la Mode (IFM) en juillet dernier. Il va sans Dire qu’elle était avant tout destinée a l’oreille attentive plutôt qu’a l’œil, qui, je l’espére, ne sera pas trop éprouvé en découvrant le texte ou plutôt, ces Paroles.

 

L’intuition que nous avons tâchée d’élaborer est celle d’une redécouverte du drapé par le prêt à porter ou Comment les créateurs au cours des dix dernières années se sont appropriés cette technique ancestrale. Que signifie cette survivance du drapé ? Les formes modernes du drapé sont-elles la simple persistance d’un leitmotiv antique ?

Collage Robe drapée Lanvin Collection P/E 2010 et tête de Victoire ailée, Musée du Louvre Crédits : M.R.S

Collage Robe drapée Lanvin Collection P/E 2010 et tête de Victoire ailée, Musée du Louvre
Crédits : M.R.S

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Enveloppes ordinaires

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Fernell Franco, Série Amarrados, 1988

Fernell Franco, Série Amarrados, 1988

« En travaillant à la photographie d’objets inanimés, je me suis rendu compte que cette façon d’envelopper avait quelque chose à voir avec celle de ficeler et d’isoler la mort. Avec la façon dont on empaquette le mort pour le couvrir, pour le retirer de la vue des vivants. »

Fernell Franco, citation commentant la série Amarrados, présentée à la Fondation Cartier, Paris.

Fernell Franco. Cali Clair-obscur. Fondation Cartier pour l’art contemporain, du 6 février au 5 juin 2016, Paris.

La garde-robe ou le refuge de la personnalité

La dernière exposition du Palais Galliera illustre avec exemplarité l’intimité des entretiens entre vêtement et corps, vêtement et personnalité. Déambulant entre les robes, les manteaux, les casaques brodées, les tenues de bals ou de voyage, c’est moins la reconstitution d’un Paris désormais englouti, celui de Proust, de Montesquiou ou de Fauré qui fascine, que l’impression de rencontrer un fantôme, comme si des étoffes émanait encore la chaleur du corps tant chéri, celui de la comtesse Greffulhe.

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Comtesse Greffulhe par Otto

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