Le paradoxe de Galatée : être muse et créateur

L’histoire de la mode prolonge à sa manière le mythe de Pygmalion. D’un côté, Pygmalion créateur, souvent masculin. (Yves Saint-Laurent a fait naître Laetitia Casta d’une rose, Azzedine Alaïa a tiré Grace Jones de la maille stretch, Karl Lagerfeld, tel un oiseleur a révélé la voix de Vanessa Paradis1 ) ; de l’autre : les muses, féminines bien sûr, créatures mi-divines, mi-fantasques aux aventures rocambolesques (Loulou de la Falaise, Betty Catroux, Charlotte Gainsbourg, muse et égérie de Nicolas Ghesquière, chez Balenciaga puis chez Louis Vuitton.)

Charles Monnet, Pygmalion amoureux de sa statue, 1762, Fonds des dessins et miniatures, Musée du Louvre

Cette séparation n’est que la reprise fidèle de ce qu’Ovide rapportait autrefois : « Pygmalion vivait sans compagne, célibataire ; jamais une épouse n’avait partagé sa couche. Cependant, grâce à une habileté merveilleuse, il réussit à sculpter dans l’ivoire blanc comme la neige un corps de femme d’une telle beauté que la nature n’en peut créer de semblable et il devint amoureux de son œuvre2» On connaît la suite : Vénus, émue du sort du sculpteur, transforma l’ivoire en chair et donna vie à Galatée. La muse inspire le projet, mais le créateur lui donne forme et existence. Continuer la lecture de « Le paradoxe de Galatée : être muse et créateur »

  1. https://www.dailymotion.com/video/xxuv0 []
  2. Ovide, Métamorphoses, X, 243-297 []

Du kitsch au néo-kitsch : actualité du mauvais goût dans le monde de la mode

Résumé de la conférence donnée le 10 octobre 2017 à l’Institut français de la mode

Collage réalisé par nos soins à partir du tableau Lactose Tolerance de Chloé Wise

L’engouement que suscite les œuvres de Jeff Koons, le succès arrogant de Gucci sous l’ère Michele, plus récemment les toiles bariolées et pop de l’artiste Chloé Wise qui figent par la peinture les nouvelles habitudes ou gimmicks de l’époque, le déferlement des logos revisités (Balenciaga, Louis Vuitton, Gucci/Guccy), autant d’éléments qui peuvent se comprendre sous la bannière du kitsch. Le kitsch ou le goût pour l’excès et l’effet touche ainsi notre rapport aux objets par le biais d’une consommation effrénée, aussi bien que nos conduites et nos attitudes, voire notre sensibilité. Pour autant, si ce terme est employé couramment, et notamment par la presse, qui utilise ce prédicat pour désigner toute résurgence d’une culture populaire restylisée et la glorification du mauvais goût, difficile de s’entendre sur son sens précis. Phénomène ambivalent et insaisissable, le kitsch se dérobe à toute définition et réduit toute entreprise de théorisation à une énumération veine. Plutôt que d’en proposer une définition arrêtée, notre communication s’intéressera davantage à esquisser quelques réflexions sur les raisons de la survivance d’un tel phénomène : symptôme de crises des valeurs répétées, le kitsch en est aussi le remède en distillant ça et là par le bariolé et le mignon, des doses de bonheur. Nous nous attacherons dans un premier temps à rappeler ces moments saillants ponctuant l’histoire du kitsch, solidaire des bouleversements de l’industrie et de la valeur de l’art au XIXe siècle, afin de mesurer les évolutions du phénomène et ses différents stades. Puis nous insisterons sur les déclinaisons du kitsch dans la mode, et la transformation d’une esthétique des marges à une tendance appelée à être suivie massivement.

Si le kitsch doit son acte de naissance à la fétichisation de l’objet et à l’engouement bourgeois pour l’accumulation, est-il toujours pertinent d’employer ce terme à l’ère de la dématérialisation de la consommation et de la fluidité des échanges ? Peut-on parler à cet égard d’un néo-kitsch ou d’autres variantes ?

 

Références bibliographiques

  • Adorno, Théodor, Théorie Esthétique (1969), Paris, Klincksieck, 2011
  • Benjamin, Walter, « Kitsch Onirique » (1927), Œuvres II, Paris, Gallimard, 2000
  • Bolton, Andrew and Koda, Harold, Schiaparelli & Prada: impossible conversations. New Haven, Yale University Press. 2012.
  • Charpy, Manuel, « Bibelots. Le monde en miniature » in Sylvain Venayre et Pierre Singaravélou (dir.), Histoire du monde au XIXe siècle, Paris, Fayard, 2015
  • Charpy, Manuel, Le théâtre des objets. Espaces privés, culture matérielle et identité bourgeoise, Paris, 1830-1914, sous la direction de Jean-Luc Pinol, professeur à l’ENS Lyon, 2010 – Doctorat d’histoire contemporaine de l’Université François Rabelais de Tours. Disponible en ligne.
  • Dorfles, Gilles, Le kitsch, un catalogue raisonné du mauvais goût, préface de Jean Duvignaud, Paris, Editions Complexe, trad. de l’italien par Paul Alexandre, 1978
  • Genin, Christophe, « Devenir Kitsch : un modèle pour nos sociétés », conférence enregistrée dans le cadre du colloque de Cerisy : Le kitsch : définitions, poétiques, valeurs », sous la direction de Franz Johansson et Mathilde Vallespir. https://www.franceculture.fr/conferences/maison-de-la-recherche-en-sciences-humaines/devenir-kitsch-un-modele-pour-nos-societes
  • Genin, Christophe, Kitsch dans l’âme, Paris, Vrin, 2010
  • Moles, Abraham, Psychologie du kitsch. L’art du bonheur, Paris, Denoël, 1976
  • Nofri, Valeria, « The aesthetics of kitsch : from Versace to Prada » : http://www.academia.edu/22928205/The_aesthetics_of_kitsch_from_Versace_to_Prada
  • Olalquiaga, Céleste, Royaume de l’artifice. L’émergence du kitsch au XIXe siècle. Trad. par Gilbert Cohen-Solal et Michèle Veubret, révisée par l’auteur, Fage Editions.
  • Sontag, Susan, « Notes on Camp » (1964), essai tiré du recueil L’œuvre parle, Paris, Christian Bourgois, 2010

Du coup de griffe au fétiche : quelques réflexions sur la magie de la haute couture

Si une épithète qualifie par excellence la haute couture, c’est bien celle de somptueux [1], articulant la dimension esthétique du vêtement, sa beauté, sa qualité, et son luxe, au sens où il engage de grandes dépenses. Furetière ajoute par ailleurs, que c’est la combinaison de ces deux éléments qui est à l’origine de cette forte impression que peut causer une belle mise, un bel équipage, un habit raffiné [2]. La haute couture de par son origine même en est l’illustration exemplaire. Destinée aux grandes fortunes et aux élégantes, à son firmament dans les années cinquante, elle est synonyme de distinction et de privilèges, mais aussi du point de vue créatif, le terrain d’une liberté sans pareille. L’instauration de cette réunion de couturiers dont l’appellation remonte à 1880 [3] met en exergue la volonté de rassembler des talents et de protéger de la copie intempestive, les modèles originaux. La haute couture, un manifeste avant l’heure de la liberté de création et de la propriété intellectuelle et artistique.

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Robe Balenciaga Haute couture 1967. Profil et face Crédits : Vogue US

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Le couturier et le chirurgien

Ce titre annonce une fable. A la fable de présenter les ressemblances et les dissemblances entre les protagonistes, le couturier et le chirurgien. Deux figures définies par des pratiques apparentées : la couture d’un côté, soit l’assemblage de deux morceaux de tissus, la chirurgie de l’autre, l’ouverture du corps et l’intervention sur des organes ciblés de l’autre, puis sa suture.  Aiguille ou scalpel, tous deux manipulent le fil et travaillent le tissu, vivant ou inerte et ne laissant comme signature qu’une cicatrice ou une couture. Cette affinité, Alexander McQueen l’a poussée à son paroxysme, comprenant son métier sous les deux aspects, celui d’une réparation du vivant par l’intervention sur la chair, et son renouvellement  par la génération de nouvelles formes vestimentaires: « I like to think of myself as a plastic surgeon with a knife » confiait-il dans les colonnes du magazine Wynn en 2007.

La chirurgie textile de McQueen admet plusieurs modes opératoires :

  • un travail du tailoring exigent, lié à l’expérience du couturier à Savile Row, temple de la coupe londonienne. Lignes acérées, formes ajustées, la structure est introduite à même le vêtement par la réinterprétation de techniques ancestrales, celle des basques et des vertugadins, ou par l’introduction inédite de matières rigides, (le bois par exemple), qui viennent contraindre et enserrer la chair, pour un dressage du corps
  • un travail de greffe par la transposition de motifs ou de textures du monde animal mêlées à la peau, suggérant un passé animiste ou anticipant l’évolution du genre humain, tel le dernier défilé du couturier intitulé Plato’s atlantis, où les silhouettes aux multiples écailles s’offraient comme des mutations corporelles fugaces.

Jellyfish ensemble and Armadillo shoes [Ensemble méduse et chaussures tatou], Alexander McQueen, Plato’s Atlantis [Atlantide de Platon], S/S 2010, Model: Polina Kasina, © Lauren Greenfield/INSTITUTE
Jellyfish ensemble and Armadillo shoes [Ensemble méduse et chaussures tatou], Alexander McQueen, Plato’s Atlantis [Atlantide de Platon], S/S 2010, Model: Polina Kasina, © Lauren Greenfield/INSTITUTE

  • Enfin dernière variation de la coupe, la pratique de l’écorchement, écorchement textile participant de l’imaginaire macabre du créateur. La peau est un opercule à retirer, dissimulant la fluidité du corps. D’où le jeu de McQueen sur les tissus dissimulés, où une cascade de plumes sanguines jaillit d’une cape de velours. La chirurgie couture de McQueen prend la valeur d’une catharsis, d’une purge des humeurs et d’un héritage nécessaire au renouvellement de la confection vestimentaire.

Erin O’Connor – Défilé McQueen « Voss »

Revendiquer la posture de chirurgien enfin, c’est entreprendre un voyage impossible, celui de pénétrer un espace paradoxal, un espace que nous incarnons sans pouvoir y habiter, un intérieur vu de l’extérieur, une expérience du corps dans sa dimension organique, celui  que nous sentons sans représentation et sans identification aucune. Alexander McQueen a mis au jour cet inconnu : le corps n’est plus à habiller, il est à ouvrir pour révéler la chair et ses plis.