Pourquoi Inquiétudes Textiles ?

où l’on explique l’histoire de ce carnet de recherche, son origine qui n’est autre…qu’une histoire.

Drapé en mouvement. Photographie de Solve Sundsbo pour le magazine Exhibition

Inquiétudes Textiles, une expression qui mérite quelques éclaircissements pour que l’étonnement qu’elle fait poindre ne se transforme en confusion. Pas question de déplorer ici un secteur industriel en crise, n’en déplaise au référencement des moteurs de recherche sans imagination. Il n’est pas question de fermeture d’usine ou de coût au mètre du tissu, mais de poésie.

L’inquiétude n’est pas la crise, c’est-à-dire l’arrêt, le moment crucial, le dilemme. L’inquiétude est du côté du mouvement. L’inquiétude, s’apparente à l’inconstance mais aussi à l’agitation au sens de dynamisme d’une pensée. Ce terme est précisément celui choisi par Yves Bonnefoy pour caractériser le textile, de sa confection à son expérience dans un essai consacré à ce sujet[1]. Le rapprochement entre la matière tissée et un mouvement de l’esprit peut surprendre mais ne correspond pas pour autant à un choix fortuit. Au delà d’une correspondance métaphorique, s’esquisse la tentative de nommer ce que le tissu est, de déterminer sa nature, c’est-à-dire de définir ce que peut l’art textile tant par la production que par ses effets sur un hypothétique spectateur. Bonnefoy dans la suite de sa contribution relève ainsi deux traits significatifs de l’inquiétude textile : le tissu est potentiellement infini, il ne connaît aucune « délimitation naturelle » dans l’opération même du tissage. D’où sa proximité avec l’informe, premier trait de l’inquiétude. Et cette indétermination est la source possible de la création, comprise essentiellement comme expérimentation, second trait de l’inquiétude. Bonnefoy en déduit une affinité entre art textile et poésie, art inquiet par excellence. Si la poésie est un art inquiet, c’est qu’elle est un art du détournement, détournement du langage et expérimentation à partir des mots par la création d’images verbales. L’opération textile appelle également ses images, profondes et anciennes, convergeant vers des symboles fondateurs des cultures humaines, comme la bien montré Gilbert Durand par exemple. De façon un peu rapide, l’inquiétude n’est qu’une autre manière d’insister sur la nécessaire désorientation de la pensée face à des objets rétifs à toute conceptualisation assurée car appartenant davantage au monde des images plutôt qu’à celui  du discours.

Il arrive que les images parlent, mais elles parlent dans ce cas par image, comment pourraient-elles faire autrement ? Le textile appelle mythes et contes. Par myriades. Opérations techniques du tissage dans l’Odyssée où la patiente Pénélope ordonne et défait inlassablement son ouvrage en attendant le retour d’Ulysse ou voile de Maya dans la tradition védique où le monde sensible n’est qu’un immense pan de tissu suspendu devant le regard des hommes ; peau de bête qui transforme pour les héroïnes des contes de fée, tunique délétère pour Hercule… Oui, il faudrait un fil d’Ariane pour retrouver son chemin dans ce labyrinthe de récits. Arrêtons nous un instant sur ceux qui s’intéressent aussi aux affinités entre la pensée et le tissage autour de la figure cardinale du réseau. Il en est un que nous aimons beaucoup car il anticipe en quelque sorte notre projet et supplée la maladresse ou l’insuffisance des mots. C’est un conte chinois, intitulée « la grande tapisserie » selon la version proposée par le magnifique recueil cosigné par Claude Fauque et Anne Lascoux[2].

Il était une fois, puisque c’est la formule consacrée, une mère et ses trois fils. Un jour, la mère aperçoit sur les étals d’un commerçant un tableau, un paysage. La contemplation devient rencontre, la rencontre, choc esthétique. Ce paysage n’est pas qu’une simple image : ce n’est pas un lieu naturel que la mère distingue mais c’est elle-même qu’elle reconnaît par le truchement du tableau. Devant lui, elle se sent exister et c’est une géographie toute intérieure qui apparaît à ses yeux. À son tour de créer, mue par cette expérience cruciale, elle tisse avec ses rêves, ses pensées, ses larmes, ses peines et ses joies ce qu’il lui est apparu. Elle tisse sans fin avec ses propres pensées.

À bien des égards, il y a là une image que Bergson lui-même ne renierait pas : nos intuitions sont faites de ce que nous ramassons, de ce que nous rencontrons, de ce que nous oublions. Nous les taillons, nous les assemblons, mais telles une navette entre les trames, elles percent un chemin dans l’inconnu, avant de revenir vers la pensée moins hardie, pour l’aider à composer patiemment les mailles d’un discours intelligible.

Tisser un tissu sans fin avec ses propres pensées, voilà notre programme.


[1] Yves Bonnefoy, « Inquiétude », Dictionnaire culturel du Tissu. Régis Debray et Patrice Hugues (dir.), Editions Babylone et Fayard, Paris, 2005

[2] Claude Fauque et Anne Lascoux avec des illustrations de Charlotte Gastaut, Secrets d’étoffes, Paris, Zditions Albin Michel, 2015

Faire de la mode une discipline : difficultés, enjeux, perspectives

 

Comment conférer aux études sur la mode une véritable légitimité académique ? Par le prisme de son propre parcours, Valerie Steele, actuelle directrice du Fashion Institue of Technology (FIT, New York) est revenue sur les difficultés et les enjeux cruciaux soulevés par cette question dans le cadre d’une conférence donnée à l’E.H.E.S.S, alors que la recherche française et européenne prend conscience de sa diversité et de son dynamisme et tente de rassembler ses forces vives par le réseau Culture[s] de mode.

Valerie Steele, à l’E.H.E.S.S, le Ier octobre 2018, dans le cadre des conférences inaugurales de Culture(s) de mode. Photographie personnelle

Difficile de s’engager dans un tel projet sans évoquer les difficultés récurrentes rencontrées par tout chercheur s’intéressant à la mode ou au vêtement. Valerie Steele s’est principalement référée au contexte américain des années 80, moment où elle a lancé ses recherches et inauguré en somme un champ disciplinaire (Fashion Studies), mais nul doute qu’elles n’ont pas perdu de leur actualité, du moins pour la première 

  • Première difficulté, de nature axiologique : le soupçon de frivolité, traditionnel qui pèse sur ce phénomène social. Soupçon si rebattu qu’il en perd de sa substance. Cette frivolité renvoie à la fois à l’émerveillement que peut susciter un certain type de parure et à sa condamnation morale implicite, orientant le rapport à la mode du côté du désir plutôt que de celui de la connaissance ou de la réflexion.
  • La seconde difficulté, plutôt de nature méthodologique, moins pertinente aujourd’hui compte tenu de l’évolution des études en mode se résume ou se résumait à la prédominance d’une approche historique partielle et cloisonnée, parfois amateur, privilégiant la description du vêtement plutôt que son analyse, la parure splendide des élites plutôt que la mise commune et populaire, sans remettre en perspective les formes vestimentaires dans un contexte social précis. Un tel défaut se retrouvait dans le traitement et l’analyse des couturiers, approche quasi sanctifiante, stipulant une stricte équivalence entre l’avènement de certaines silhouettes et le génie propre du créateur.

Ces deux approches que Valerie Steele nomme l’approche antiquisante (antiquarian) du vêtement et hagiographique du créateur ont été battues en brèche par l’influence de plusieurs courants sur l’objet mode et par conséquent l’introduction de méthodologies diverses :

  • une approche historico-économique telle qu’on la trouve chez Daniel Roche et Philippe Perrot
  • une approche culturelle (culture matérielle et visuelle), qui s’intéresse en particulier au statut de la mode dans les sous-cultures et à sa fonction subversive. L’ouvrage de Dick Hebdige, Subculture, the meaning of style (1979) est exemplaire de cette démarche.
  • une approche liée aux études de genre, conférant à la mode une place ambivalente, parfois oppressante, parfois libératrice.

Mais l’originalité de ce champ d’étude tient moins à des changements heuristiques ou de paradigme importés par d’autres disciplines (sociologie, anthropologie, économie), c’est-à-dire somme toute à un développement théorique homogène, qu’à de multiples terrains où une tentative de penser la mode éclot.

En effet, la nature de la mode est éminemment plurielle : phénomène social et culturel, industriel et économique, elle s’incarne dans des objets, qui à leur tour reflètent l’esprit d’une époque révolue ou actuelle. De fait, une mise en perspective de ce phénomène ne peut se réaliser uniquement sur les bancs de l’université ou les pages d’un journal académique, mais aussi dans les studios de création et les musées. Et Valerie Steele d’insister sur le milieu extrêmement poreux qu’a pu constituer le musée, où l’exposition de vêtements parfois inconnus du grand public et des créateurs a pu régénérer l’invention vestimentaire, notamment par l’entremise de conservateurs éminents comme Richard Martin (l’exposition Three women : Madeleine Vionnet, Claire McCardell, Rei Kawabuko présentée au FIT en 1987 a fait date)

Cette pluralité extrêmement stimulante du point de vue de la réflexion, souligne également des zones de tension, des difficultés structuelles inhérentes à l’établissement de la discipline, dont Valerie Steele a pointé très judicieusement les enjeux pratiques :

  • Comment contenir l’extrême foisonnement de la discipline « Etudes de mode », qui nuit parfois à la lisibilité des propositions s’y afférant, sans toutefois brider l’interdisciplinarité essentielle à ce domaine ? On comprend bien que la volonté d’affirmer l’unité d’une discipline rejoint une question plus vaste de légitimité académique, c’est-à-dire la possibilité d’identifier une ou des méthodologies claires dans la perspective de l’affilier à un champ de recherche établi. (sociologie, histoire, etc…) ou d’inaugurer un champ de recherche propre. Or actuellement, les études de mode sont davantage considérées comme des spécialités ou spécialisations de cursus généralistes plutôt que comme un parcours universitaire à part entière.
  • D’où cette seconde interrogation doublée d’une proposition de l’historienne américaine. Pour intégrer l’université ou la prendre d’assaut, il est plus que nécessaire de constituer un véritable programme, non pas de recherche, c’est-à-dire accessible à un niveau de recherche avancé (Master ou Doctorat), mais d’élaborer des contenus de connaissance pluridisciplinaires dès l’entrée à l’université, qui ne réduisent pas à l’histoire de la mode au sens pauvre du terme, soit une chronologie des formes vestimentaires.

De la même manière, une telle démarche s’avèrera sans doute salutaire pour la philosophie, dont les concepts sont largement utilisés dans les études sur la mode à titre d’auxiliaire, mais qui ne s’est pas véritablement emparé du sujet. Ou si elle l’a fait, un panorama des multiples approches développées par les philosophes reste à établir.