Soutenance Marie Schiele – lundi 8 novembre 2021, 14h-18h, Maison de la Recherche, Sorbonne Université.
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Cet article avait au départ l’ambition d’un fleuve. S’intéresser au rapport entre l’expérience de la mode et le discours sur la mode. Pas du point de vue du sémiologue, pas du point de vue des signes utilisés, mais en analysant ce que le medium fait à la pensée, aux modes de réception du discours et plus largement à notre rapport au vêtement.
En quoi l’expérience de ce que nous lisons ou que nous faisons au sujet de la mode et du vêtement est-elle affectée par le support à partir duquel elle se déploie ? Indifféremment : un livre, un site internet, une visite dans un musée, un titre de la presse nationale ou régionale, un magazine de niche, une newsletter, un blog, un site marchand, un compte Instagram ou Twitter, une discussion sur Clubhouse, une conférence sur TedEx, un colloque au Musée des Arts Décoratifs ?
En considérant ces multiples exemples, l’unité d’un discours sur la mode vole en éclats. Il n’est pas uniquement question de discours écrit, ni même de discours journalistique n’en déplaise à Barthes, il est question d’une expérience du vêtement partagée à l’oral, selon différents registres du langage. La parole se conjugue à l’écriture, l’anecdote au récit d’une après-midi à visiter les magasins, le podcast spécialisé à la recherche érudite sur une époque donnée. Il est frappant de constater à quel point la mode fait parler d’elle, à quel point elle a besoin que l’on parle d’elle. Si cette publicité est l’indice du caractère social et mercantile de la mode, voire de son caractère fantasmatique (le discours comme l’image drapent le vêtement d’onirisme), elle masque mal un impensé radical : parvenir à mettre des mots sur une expérience ordinaire, l’expérience vestimentaire elle-même, sans chercher à la sublimer par des termes comme le style ou l’élégance. N’est-il pas paradoxal que le discours sur la mode soit souvent incapable de prendre en charge cette expérience alors qu’elle est, semble-t-il, à son origine ? (ou peut-être pas)
Un tel silence peut être expliqué par plusieurs raisons :
Les quelques transformations médiatiques de l’année passée donnent peut-être à cette expérience silencieuse une nouvelle puissance. Et peut-être une nouvelle voix. Les newsletters d’une part, l’application Clubhouse de l’autre. Cet article résulte d’observations menées durant l’année écoulée. Il n’a rien d’un article académique traitant de la philosophie de la mode. Il vise simplement, et c’est un euphémisme, à tirer au clair certaines expériences. À penser à partir de ce que l’on peut lire et écouter.
L'intégralité de l'article est à télécharger ci-après. Merci de respecter les conventions habituelles si vous citez cet article : Marie Schiele, « Entendre des voix dans la mode. Newsletters et Clubhouse », Inquiétudes Textiles, 17 avril 2021
[1] Cette conférence s’intègre au cycle Philosophie du quotidien – les états du corps. La conférence est disponible à l’écoute sur la chaîne Youtube de la BNF : https://www.youtube.com/watch?v=djTeAMAYePI
[2] En précisant rituels d’ordre privé, j’exclus le discours sur le vêtement, le commentaire qui accompagne le rituel d’achat, souvent collectif et amical. Dans les quelques articles que j’ai pu lire à ce sujet, le rituel est étudié selon les classes d’âge et les classes sociales, selon les lieux. Moins à partir du prisme discursif. Mais ce type de discours porte-t-il vraiment sur le vêtement ? Les compliments ou les désaccords portent avant toute chose sur l’allure générale.
Système de la Mode de Barthes appartient à cette catégorie d’ouvrages dont on cite allègrement le titre, pilier de toute bibliographie respectable sur le sujet de la mode, mais dont on peine à restituer avec assurance le contenu ou à expliquer la démarche, tant la lecture s’avère parfois fastidieuse. La raison en est assez simple. C’est que le titre est à lui seul un royaume riche de grandes espérances ; tandis, que la lecture de l’ouvrage est une somme d’illusions perdues. Est-il vraiment question de Mode, au sens de cette industrie fascinante et de sa production vestimentaire éloquente ? Et le lecteur de se raviser d’avoir interprété un peu trop hâtivement le titre comme un programme.
Dans cet article, nous nous proposons de revenir sur les bienfaits et les limites de la théorie de Barthes, en la tirant hors de la sémiologie, et en l’amenant sur le terrain philosophique. Quels acquis conceptuels peut-on extraire de Système de la mode ?
L’article intégral est à retrouver via le lien de téléchargement ci-dessous. Pour le citer, merci d’utiliser la formule conventionnelle et de mentionner le site Inquiétudes Textiles.
Marie Schiele, “Ouvrir Système de la Mode”, Inquiétudes Textiles, 18 avril 2020, Article disponible en ligne : https://intextus.hypotheses.org/751
J’entame un cycle de réflexion sur la modernité du drapé. Par modernité, je n’entends pas simplement l’ancrage historique du drapé dans une période allant de la seconde moitié du xixe siècle au premier tiers du xxe siècle, mais une démarche créative étayée de réelles propositions d’innovation, d’un imaginaire pluriel et élaborant soigneusement de nouvelles valeurs autour de l’étoffe drapée.
Il me semble qu’est ignoré tout un pan de l’histoire du drapé, moins celui qui rattache cette technique emblématique de la confection vestimentaire au mythe d’une femme déesse, que celui qui dans la veine anthropologique et architecturale, associe le drapé à des origines pleinement humaines et techniques. Par le drapé, l’homme prend sa mesure.
Premier temps de cette réflexion, une proposition contemporaine, celle d’Olivier Saillard et de son collectif autour d’une réflexion intitulée Moda Povera. Continuer la lecture de « Olivier Saillard et le drapé : du simple au complexe »
où l’on explique l’histoire de ce carnet de recherche, son origine qui n’est autre…qu’une histoire.
Inquiétudes Textiles, une expression qui mérite quelques éclaircissements pour que l’étonnement qu’elle fait poindre ne se transforme en confusion. Pas question de déplorer ici un secteur industriel en crise, n’en déplaise au référencement des moteurs de recherche sans imagination. Il n’est pas question de fermeture d’usine ou de coût au mètre du tissu, mais de poésie.
L’inquiétude n’est pas la crise, c’est-à-dire l’arrêt, le moment crucial, le dilemme. L’inquiétude est du côté du mouvement. L’inquiétude, s’apparente à l’inconstance mais aussi à l’agitation au sens de dynamisme d’une pensée. Ce terme est précisément celui choisi par Yves Bonnefoy pour caractériser le textile, de sa confection à son expérience dans un essai consacré à ce sujet[1]. Le rapprochement entre la matière tissée et un mouvement de l’esprit peut surprendre mais ne correspond pas pour autant à un choix fortuit. Au delà d’une correspondance métaphorique, s’esquisse la tentative de nommer ce que le tissu est, de déterminer sa nature, c’est-à-dire de définir ce que peut l’art textile tant par la production que par ses effets sur un hypothétique spectateur. Bonnefoy dans la suite de sa contribution relève ainsi deux traits significatifs de l’inquiétude textile : le tissu est potentiellement infini, il ne connaît aucune « délimitation naturelle » dans l’opération même du tissage. D’où sa proximité avec l’informe, premier trait de l’inquiétude. Et cette indétermination est la source possible de la création, comprise essentiellement comme expérimentation, second trait de l’inquiétude. Bonnefoy en déduit une affinité entre art textile et poésie, art inquiet par excellence. Si la poésie est un art inquiet, c’est qu’elle est un art du détournement, détournement du langage et expérimentation à partir des mots par la création d’images verbales. L’opération textile appelle également ses images, profondes et anciennes, convergeant vers des symboles fondateurs des cultures humaines, comme la bien montré Gilbert Durand par exemple. De façon un peu rapide, l’inquiétude n’est qu’une autre manière d’insister sur la nécessaire désorientation de la pensée face à des objets rétifs à toute conceptualisation assurée car appartenant davantage au monde des images plutôt qu’à celui du discours.
Il arrive que les images parlent, mais elles parlent dans ce cas par image, comment pourraient-elles faire autrement ? Le textile appelle mythes et contes. Par myriades. Opérations techniques du tissage dans l’Odyssée où la patiente Pénélope ordonne et défait inlassablement son ouvrage en attendant le retour d’Ulysse ou voile de Maya dans la tradition védique où le monde sensible n’est qu’un immense pan de tissu suspendu devant le regard des hommes ; peau de bête qui transforme pour les héroïnes des contes de fée, tunique délétère pour Hercule… Oui, il faudrait un fil d’Ariane pour retrouver son chemin dans ce labyrinthe de récits. Arrêtons nous un instant sur ceux qui s’intéressent aussi aux affinités entre la pensée et le tissage autour de la figure cardinale du réseau. Il en est un que nous aimons beaucoup car il anticipe en quelque sorte notre projet et supplée la maladresse ou l’insuffisance des mots. C’est un conte chinois, intitulée « la grande tapisserie » selon la version proposée par le magnifique recueil cosigné par Claude Fauque et Anne Lascoux[2].
Il était une fois, puisque c’est la formule consacrée, une mère et ses trois fils. Un jour, la mère aperçoit sur les étals d’un commerçant un tableau, un paysage. La contemplation devient rencontre, la rencontre, choc esthétique. Ce paysage n’est pas qu’une simple image : ce n’est pas un lieu naturel que la mère distingue mais c’est elle-même qu’elle reconnaît par le truchement du tableau. Devant lui, elle se sent exister et c’est une géographie toute intérieure qui apparaît à ses yeux. À son tour de créer, mue par cette expérience cruciale, elle tisse avec ses rêves, ses pensées, ses larmes, ses peines et ses joies ce qu’il lui est apparu. Elle tisse sans fin avec ses propres pensées.
À bien des égards, il y a là une image que Bergson lui-même ne renierait pas : nos intuitions sont faites de ce que nous ramassons, de ce que nous rencontrons, de ce que nous oublions. Nous les taillons, nous les assemblons, mais telles une navette entre les trames, elles percent un chemin dans l’inconnu, avant de revenir vers la pensée moins hardie, pour l’aider à composer patiemment les mailles d’un discours intelligible.
Tisser un tissu sans fin avec ses propres pensées, voilà
notre programme.
[1] Yves Bonnefoy, « Inquiétude », Dictionnaire culturel du Tissu. Régis Debray et Patrice Hugues (dir.), Editions Babylone et Fayard, Paris, 2005
[2] Claude Fauque et Anne Lascoux avec des illustrations de Charlotte Gastaut, Secrets d’étoffes, Paris, Zditions Albin Michel, 2015
Comment conférer aux études sur la mode une véritable légitimité académique ? Par le prisme de son propre parcours, Valerie Steele, actuelle directrice du Fashion Institue of Technology (FIT, New York) est revenue sur les difficultés et les enjeux cruciaux soulevés par cette question dans le cadre d’une conférence donnée à l’E.H.E.S.S, alors que la recherche française et européenne prend conscience de sa diversité et de son dynamisme et tente de rassembler ses forces vives par le réseau Culture[s] de mode.
Difficile de s’engager dans un tel projet sans évoquer les difficultés récurrentes rencontrées par tout chercheur s’intéressant à la mode ou au vêtement. Valerie Steele s’est principalement référée au contexte américain des années 80, moment où elle a lancé ses recherches et inauguré en somme un champ disciplinaire (Fashion Studies), mais nul doute qu’elles n’ont pas perdu de leur actualité, du moins pour la première
Ces deux approches que Valerie Steele nomme l’approche antiquisante (antiquarian) du vêtement et hagiographique du créateur ont été battues en brèche par l’influence de plusieurs courants sur l’objet mode et par conséquent l’introduction de méthodologies diverses :
Mais l’originalité de ce champ d’étude tient moins à des changements heuristiques ou de paradigme importés par d’autres disciplines (sociologie, anthropologie, économie), c’est-à-dire somme toute à un développement théorique homogène, qu’à de multiples terrains où une tentative de penser la mode éclot.
En effet, la nature de la mode est éminemment plurielle : phénomène social et culturel, industriel et économique, elle s’incarne dans des objets, qui à leur tour reflètent l’esprit d’une époque révolue ou actuelle. De fait, une mise en perspective de ce phénomène ne peut se réaliser uniquement sur les bancs de l’université ou les pages d’un journal académique, mais aussi dans les studios de création et les musées. Et Valerie Steele d’insister sur le milieu extrêmement poreux qu’a pu constituer le musée, où l’exposition de vêtements parfois inconnus du grand public et des créateurs a pu régénérer l’invention vestimentaire, notamment par l’entremise de conservateurs éminents comme Richard Martin (l’exposition Three women : Madeleine Vionnet, Claire McCardell, Rei Kawabuko présentée au FIT en 1987 a fait date)
Cette pluralité extrêmement stimulante du point de vue de la réflexion, souligne également des zones de tension, des difficultés structuelles inhérentes à l’établissement de la discipline, dont Valerie Steele a pointé très judicieusement les enjeux pratiques :
De la même manière, une telle démarche s’avèrera sans doute salutaire pour la philosophie, dont les concepts sont largement utilisés dans les études sur la mode à titre d’auxiliaire, mais qui ne s’est pas véritablement emparé du sujet. Ou si elle l’a fait, un panorama des multiples approches développées par les philosophes reste à établir.
On comprend la mode comme un phénomène temporel par excellence, qu’en est-il de l’espace, de ces lieux qui habitent le vêtement ?
La galerie Alaïa a inauguré le 2 juillet sa deuxième exposition consacrée au couturier disparu en novembre 2017. Sous les arcades en fer forgé du 18 rue de la Verrerie à Paris, est présenté un florilège des silhouettes de la collection printemps-été 1992. Collection insolite à double titre : collection fleuve (plus de 115 modèles au lieu de la vingtaine de modèles habituelle), collection inaugurale, puisque la première à défiler dans le lieu qui accueille la présente exposition. Un lieu tout sauf anecdotique selon Oliver Saillard, commissaire de l’exposition, car loin de suffire de décor ou d’écrin de la collection. Au contraire, il en dévoile toute l’épaisseur, voire les sources d’inspiration.
Continuer la lecture de « Alaïa ou la mode selon l’esprit des lieux »
Nous définissons avant tout le vêtement comme image, c’est-à-dire selon des critères éminemment visuels : la forme ou la coupe du vêtement, sa couleur. Des éléments pour lesquels nous disposons d’un vocabulaire étendu, facile d’usage car soit ordinaire (robe, pantalons font partie des rudiments du langage) soit non spécifique à l’habillement (la gamme chromatique) et qui donne à la perception initiale du vêtement toute sa consistance. Pour bien voir, il faut en quelque sorte savoir, et savoir dire ce que l’on voit. C’est encore l’image qui explique la fascination que peut faire naître une robe. Image de soi, image idéalisée et projetée, que le vêtement appelle et trame.
L’exposition Hermès – Années Margiela, présentée au Musée des Arts Décoratifs de Paris (MAD) prend à rebours ces deux principes élémentaires. Continuer la lecture de « Hermès par Margiela : la sensation exposée, l’expérience vue »
Ce titre annonce une fable. A la fable de présenter les ressemblances et les dissemblances entre les protagonistes, le couturier et le chirurgien. Deux figures définies par des pratiques apparentées : la couture d’un côté, soit l’assemblage de deux morceaux de tissus, la chirurgie de l’autre, l’ouverture du corps et l’intervention sur des organes ciblés de l’autre, puis sa suture. Aiguille ou scalpel, tous deux manipulent le fil et travaillent le tissu, vivant ou inerte et ne laissant comme signature qu’une cicatrice ou une couture. Cette affinité, Alexander McQueen l’a poussée à son paroxysme, comprenant son métier sous les deux aspects, celui d’une réparation du vivant par l’intervention sur la chair, et son renouvellement par la génération de nouvelles formes vestimentaires: “I like to think of myself as a plastic surgeon with a knife” confiait-il dans les colonnes du magazine Wynn en 2007.
La chirurgie textile de McQueen admet plusieurs modes opératoires :
![Jellyfish ensemble and Armadillo shoes [Ensemble méduse et chaussures tatou], Alexander McQueen, Plato’s Atlantis [Atlantide de Platon], S/S 2010, Model: Polina Kasina, © Lauren Greenfield/INSTITUTE](http://intextus.hypotheses.org/files/2015/09/8._Jellyfish_ensemble_and_Armadillo_shoes_Platos_Atlantis_SS_2010._Model_Polina_Kasina.__Lauren_GreenfieldINSTITUTE_1.jpg)
Revendiquer la posture de chirurgien enfin, c’est entreprendre un voyage impossible, celui de pénétrer un espace paradoxal, un espace que nous incarnons sans pouvoir y habiter, un intérieur vu de l’extérieur, une expérience du corps dans sa dimension organique, celui que nous sentons sans représentation et sans identification aucune. Alexander McQueen a mis au jour cet inconnu : le corps n’est plus à habiller, il est à ouvrir pour révéler la chair et ses plis.
